ПРОСТРАНСТВО ИНТУИЦИИ

Современная азербайджанская живопись - это динамично развивающееся поле, где классическая школа сталкивается с дерзким экспериментом. Одним из ярких представителей этого направления является современный азербайджанский художник Эмин Гахраманов. Его творчество - это территория постоянного поиска, где отсутствует диктат завершенных формул, а композиция рождается через сомнение, разрушение и кропотливое созидание. Это когда искусство перестает быть простым воспроизведением визуальных образов и превращается в способ фиксации состояний сознания и холст становится территорией, где сталкиваются эпохи. В его руках привычные формы переосмысливаются через призму интуитивного поиска, а академические каноны вступают в диалог с экспериментальными техниками.

В своих работах он не стремится просто «нарисовать» сюжет. Он скорее выстраивает архитектуру чувств. Здесь многослойность - будь то сочетание акрила, масла и бумаги или наслоение смыслов в орнаментальных структурах - служит инструментом для проникновения в суть вещей. Это живопись, которая требует от зрителя готовности к созерцанию, к попытке расшифровать символический ряд, где каждый виток узора - это своего рода пульс, передающий энергию автора. Эмин ГАХРАМАНОВ работает на стыке дисциплин, и его «орнаментальная декоративность» - не эстетизация ради красоты, а попытка найти универсальный язык, понятный на уровне подсознания.

О том, как рождается эта связь между материей и духом, как преодолевается сопротивление материала и почему поиск никогда не заканчивается - в нашей беседе с художником.

- Стиль, в котором я сегодня работаю, в моей личной классификации определяется как орнаментальная декоративная живопись. Хотя в Европе подобное относят к MixedMedia. Это смешанная техника и смешанные материалы: клей, акрил, бумага, масло. Надо сказать, что бумагу и масло мало кто использует в силу того, что клеить сверху масла бумагу нельзя. Здесь есть определенные секреты. Потому что надо уметь правильно смешать их, чтобы они держались десятилетиями. У меня ушло около четырех лет на эксперименты, чтобы получить тот самый результат. Но техническая сторона - одно: смешать и клеить сможет и помощник. Однако когда дело доходит до масла, когда надо выбрать, что оставить, а что убрать, здесь вступают в дело «высшие силы»: разложить цвета и, далее, «секретные ингредиенты».

- И как в таком случае «убирать неудачные подходы» на холсте?

- Так же, как и всегда. Если что-то, на мой взгляд, видится не совсем отвечающим требованиям, у меня есть еще целые сутки убрать масляную краску или снять бумагу. Замазать орнамент и сверху положить другой. Игра: цвет - орнамент. Своего рода мозаика. Но не без проблем для художника. Дело в том, что орнамент - это графический рисунок. Я же смешал графику с живописью, что на самом деле весьма тяжело - понять, какую из частей того же фламинго определить графической, а какую более живописной. И вот тут вступает в дело наш академизм, подсказывающий, где органически будет пятно графики, а где - живописи. И вкупе это должно смотреться - и по цвету, и с рисунком. Нельзя переборщить графическим и с маслом. Сложно, интересно, любопытно. Кому-то со стороны может даже показаться, что это легче легкого. Однако это требует годы практики. Чтобы сделать одну работу, мне пришлось испортить около полуста. У тех, кто периодически бывает в моей мастерской, иногда создается впечатление, что я не работаю, так как новых картин в ней нет. А в реальности же просто идет поиск для выражения изобразительных возможностей. Например, есть сова, которая «созревала» года три, и лишь к серии выставки COLORETANIMAона обрела «плоть и кровь». А все потому, что в мастерской художник экспериментирует.

- Поиск новых форматов - это отголоски скуки?

- Мне никогда не бывает скучно. Мне интересно всегда. Просто то, что уже найдено, отправляется в личный багаж. Да, мое творчество претерпевало модерн, авангард, абстракцию и еще несколько стилей. Для меня скучна именно академическая живопись. Чистая, правильная, классическая. Почему так? Мне не надо конкурировать с признанными в мире великими! Просто надо быть самим собой и постоянно находиться в поиске, не отказываясь от прежнего опыта. Как шумеры изобрели колесо, так и задолго до современной живописи художники прошлого уже все придумали. И с их работами мы знакомимся в течение становления из ребенка в молодого человека. Нам осталось только брать что-то от всех великих и транспонировать в свое творчество через свое видение, прислушиваясь к тому, что снисходит на художника, - вдохновение, неоспоримо имеющее божественное происхождение.

- Вы часто затрагиваете присутствие Всевышнего в творческом процессе…

- В творчестве рука Бога всегда есть направляющий вектор. Очень часто я замечаю, что моя рука работает сама по себе. Мой мозг может в это время быть занят чем-то совершенно иным, но она выполняет определенные функции. Словно через мое темечко, через правое полушарие в сердце проходит энергия и устремляется в мою правую руку. Левая же сторона мозга все время отвлечена на варианты устроить себе отдых. При том, что визуальные контакты с формой в любых ее проявлениях работают бесперебойно. Будь то архитектурные здания, домашние ковры, надгробные камни, музейные экспонаты. Они все для меня форма в самых разных ипостасях. Но случается в какой-то момент буквально застрять, работая над какой-то картиной. Ну не получается, хоть ты тресни!.. И вдруг словно открывается портал, на тебя «проливается божий свет» и рука сама выводит из этого состояния.

- Прикосновение к мирозданию…

- На нас, а на художника тем более, влияет все! Так, например, ковроткачи вытаскивают из подсознания нечто, что в дальнейшем складывается в узоры. И пусть мы в большинстве своем не умеем читать эти послания, но на уровне интуиции понимаем заложенную общую картину. В реальности ковровый узор - символ, который от конкретного слова с его персонализацией отличается более обширным смысловым наполнением, чья сакральность неоспорима. Тем более что идентичные образцы встречаются во многих мировых культурах. Потому, наверное, и сам попал под их влияние, вплетая в свои работы из серии COLORETANIMAузоры, используемые у разных народов.

- Эта серия вновь подчеркнула, что главной составляющей в вашем творчестве остается форма.

- Каждое изображенное животное из серии COLORETANIMAне просто стилизовано. Здесь я сознательно отказался от детализации, когда отсекается все лишнее и оставляется лишь форма. И чувство ее приходит условно сверху. От природы, от космоса… Процесс воспроизведения на холсте какой-то формы пропускается через сердце и душу, где каждая линия проводится с определенным смысловым обозначением. Например, форма птицы - это тоже определенный символ. Впрочем, и птицы, и животные из этой серии имеют еще и определенные значения: лев (правда, в моем случае получился тигролев) - сила и мощь, сова - мудрость, огненный конь - энергия и стремительность. Чем не спираль, раскрученная символами?

- Но все же есть требования классического подхода…

- Не спорю, но у меня это случилось вне учебы. Я признаю, что академическая школа живописи обязательна для настоящего художника. Я понимаю, что в настоящем есть те, кто отрицает ее важность. Но обратите внимание: среди современных художников очень мало рисовальщиков. Хотя они могут создавать вполне хорошие работы, но в них все равно чувствуется отсутствие «базы». Не стану отрицать, что есть у академического образования побочный момент - она как бы вытирает условную память ребенка. И достаточно сложно сохранить вложенное в тебя изначально Богом, совмещая приобретенное в учебном процессе профильных технических «наук», куда входят композиция, перспектива и т.д. Так вот, сумев сделать это, в совокупности получаются неплохие работы с авторским почерком, включающим в себя те самые «реперные точки индивидуальных наработок памяти». В моем случае - ставшие обращением к узорам. Кстати, традиционные ковровые узоры подтолкнули мой интерес к тем, что есть в культуре других народов. Например, индийских, славянских, исламских и т.д. Совместить их в единое «пространство» непросто, но здесь как раз и срабатывают «правила академии». Те же орнаменты, которые на сегодняшний день заполнили пространство моих холстов, сочетаются в основном по наитию, имея под собой классическую основу.

- Можно ли утверждать, что в основе вашего творческого метода лежит опора исключительно на собственное «я»?

- Утверждение «я работаю для себя» уже давно стало мемом. На мой взгляд, в нем просматривается дуальность неоднозначности. Даже на примере меня самого: при том, что я пишу работы согласно желаниям реализовать свои личные «мысли художника», хочу их показать людям. А раз есть таковая потребность, а люди ждут знакомства с чем-то новым, а у тебя таковое есть предложить, тогда и надо выставляться. За более чем десятилетие выставочной деятельности могу утверждать подобное, потому что старался не повторяться. Обожаю миксы. Но обращения к узорам и орнаментам в творчестве для меня стали, по крайней мере на сегодняшний день, неограниченными возможностями изобразительного исследования. При этом стремлюсь не утерять свое глубоко индивидуальное, что возвращает меня к личным истокам…

- Оставляя за собой право пополняться извне?

- Я уже отмечал, что влияние неизбежно… Оказываясь за границей, понимаешь, что посещение музеев и галерей неоспоримо. И то, что меня «цепляет» и заинтересовывает, я обязательно включаю в свой личный багаж художника. Ведь я не задумываюсь, когда встаю перед холстом, и не начинаю работать с мыслью непременно понравиться. Скорее триггером выступает интерес к чему-то на уровне «вау!», и я бегу перенести этот энергетический посыл на холст. И мне без разницы, культура какого народа послужила рождению этого «вау!». И вообще, для художника понятие «народопринадлежности» нивелируется, растворяясь в рабочем процессе. Думать и искать привязки, о том, откуда родом сюжетная составляющая картины, как-то нелепо. Главное - творчество…

- …это выражение свободы…

- Совершенно верно!.. В истинном значении творчества существует лишь одна вертикаль - Человек и Бог. Беря в руки кисть или мастихин, я же не думаю, кто я, что я на самом деле. Здесь полное растворение в том, что из полученного свыше я переношу на холст, пропустив через внутренний мир самого себя, свободный от каких-либо рамок, ограничений, условностей.

Персональная выставка Эмина Гахраманова COLORETANIMA, которая была проведена в апреле в галерее QızQalası, стала результатом глубокого личного поиска.

Была представлена серия работ, которые не копировали внешний мир, а были призваны воплотить состояние души. Зритель окунался в пространство, где цвет и орнамент вступают в напряженный диалог, а форма становилась смысловым центром. Эта выставка стала квинтэссенцией многолетнего творческого пути Эмина Гахраманова, где каждая картина, подобно пазлу, складывается в единую мозаику авторского видения мироздания.